我們很常聽到這種話：用不同角度看同一件事，會有各種不同的感受和想法。這在電影敘事也是一樣的道理，但這所謂的"角度"在電影有更多不同層面的問題要兼顧，如果編導沒有處理好，觀眾常常會用完全不同的角度看片，而那種情況一般不會有好結果。
簡單來說，就是該把攝影機擺在哪，該怎麼移動。成功的電影一般都會去激發觀眾的情感，因此鏡頭擺設的目標，應該是根據劇本的需求，找出這場戲的情感，什麼樣的位置又可以抓住這情感並把它最大化。
但畫面的設計有太多層面可以討論，從景別(遠景特寫等)、角度(仰角及演員面對鏡頭角度等
)、運鏡(dolly或zoom等)到構圖(井字或黃金比例等)，每層面的手法除了多樣，其運用的方式也沒有明顯的參考原則(相較三幕劇)。因此我先從大方向的鏡頭維度來討論。
拍攝觀點
簡單來說，就是該把攝影機擺在哪，該怎麼移動。成功的電影一般都會去激發觀眾的情感，因此鏡頭擺設的目標，應該是根據劇本的需求，找出這場戲的情感，什麼樣的位置又可以抓住這情感並把它最大化。
但畫面的設計有太多層面可以討論，從景別(遠景特寫等)、角度(仰角及演員面對鏡頭角度等
)、運鏡(dolly或zoom等)到構圖(井字或黃金比例等)，每層面的手法除了多樣，其運用的方式也沒有明顯的參考原則(相較三幕劇)。因此我先從大方向的鏡頭維度來討論。
a.位置
註1：相關解釋
註2：源自Bill Burr的脫口秀，男人性高潮的反應跟開香檳很像.....你懂的
觀眾看完電影後的爭論大都是關於人物的行為，A說不喜歡配角的行為，B可能會說［你要換個角度看此人物的掙扎，就會覺得合理］或是［這就是導演想探討的主題啊］。電影會出現這種爭論，七八成都得歸咎於導演沒有事先想好要怎麼引導觀眾的思維。
雖然電影完成後，觀眾要怎麼看只能由他們自己決定，但電影不同於其他藝術媒介，它是由大量畫面銜接而成。若電影聚焦在單一事件或主題，而且又要激發觀眾的情緒，在接收大量"狹隘又單方面"的資訊後，觀眾只會形成一個完整且無法抹滅的觀感，那所謂"自由解讀"的空間其實所剩無幾。
有時導演為了讓觀眾更了解他想傳達的訊息，不只削減自由解讀的空間，連觀眾自主體驗的權限都被拿掉。若要避免這類錯誤，擺好位置後，就要進一步思考其他面向的設計。
要激發觀眾的情緒，就一定要花時間讓他們沉浸在那情境中，即使是最早洩的男人，也一定會花幾秒的時間去"深入"那氛圍才能高潮。所以每個畫面的每元素才那麼重要，除了準確引導觀眾的視覺焦點，更要在一定的時間內引領觀眾的思緒和情緒，直到情節高潮處，觀眾才能如編導預期有所感動。Cinefix這支essay提到的三部片分別用母題、長度和焦點達到各自的效果。
＜刺激1995＞(完整片段)Brooks出獄後決定自殺，這段戲帶出更生人被監獄體制化後的困境，若要讓觀眾產生共鳴，就得讓他們一起去體會Brooks的孤單和無能為力。此片除了用旁白和遠景等常見的手法，也藉由"視線"來凸顯Brooks面臨的情境。
片中其他人不要說互動，連眼睛都沒有和Brooks對上，即使有，不是冷漠(女房東)就是帶有斥責(店長)的互動。相較在獄中和別人有說有笑，他在外面廣大又快節奏的世界中，更加深他的孤寂。藉由同母題"視線"不斷加強Brooks的處境，我們能清楚體會他感受到的孤單，因此當他在最後撇下鏡中的自己，背對鏡頭自殺(撇下我們觀眾)，我們也會感到無奈甚至流淚。
＜自由之心＞(完整片段)主角被懸吊在半空中的同時，週遭的黑奴視若無睹，帶出當時對黑奴的不人道壓迫。在主角剛被吊起來時，其他黑奴躲起來避免惹事，此時用一鏡到底的遠景拍主角一人，這顆長鏡頭先讓觀眾體會到主角的掙扎和孤單。過了將近一分鐘，他們才走出來做自己的事，凸顯黑奴的恐懼和屈從。後面的鏡頭雖然不長，但也透過一定的時間和構圖，帶出此長達一天的刑罰。在不煽情的前提下，導演精準呈現當時日常到毛骨悚然的黑奴世界。
＜人類之子＞(完整片段)的背景設在多年沒有任何新生兒的新世界，最後嬰兒在戰亂中出生，也讓兩方人馬停火。此宗教意味明顯的場景很容易變得煽情，大家同時跪下讚嘆，加上煽情的配樂，就會顯得太假了。因此導演把鏡頭放在主角背後或觀點鏡頭，讓觀眾能就近看對方情緒的轉變，出了大樓後的手持跟拍，也透過精準的構圖和走位，讓被拍到的臨演(也代表此時能看到主角的人物)一一反應，這樣的拍法在維持寫實調性的同時，仍不減其催淚的力量。
有時候要震撼觀眾，不需要在單一場戲或單一鏡頭中塞滿各種元素，只要讓全片的鏡頭有一定的關聯性，觀眾就能理解這些跟故事的關係。此essay後面兩個案例都用特定的構圖或運鏡方式和觀眾建立共同默契，之後在重要的情節加上類似的畫面，觀眾自然就能理解並立即投入。
第一個案例＜Like Crazy＞除了用類似的構圖和不同的打燈凸顯主角的等待和焦慮，兩鏡頭中間也插入黑幕，這黑幕不是為了［讓觀眾喘口氣］那種完全沒道裡的用意，而是為了延常這兩顆鏡頭之間的故事時間，給觀眾一種時間過得很常的感覺，同時也能引導觀眾去思考這段期間發生什麼事，這些作用合併在一起，就能發揮兩倍以上的效果。
電影的敘事一般都是跟著特定的主角推動，所以說到敘事第一個會想到的觀點就是［根據誰的觀點來看此故事］，其基本觀念在此短片解釋得挺清楚，我就另外延伸出其他潛在問題。
註2：源自Bill Burr的脫口秀，男人性高潮的反應跟開香檳很像.....你懂的
觀眾看完電影後的爭論大都是關於人物的行為，A說不喜歡配角的行為，B可能會說［你要換個角度看此人物的掙扎，就會覺得合理］或是［這就是導演想探討的主題啊］。電影會出現這種爭論，七八成都得歸咎於導演沒有事先想好要怎麼引導觀眾的思維。
雖然電影完成後，觀眾要怎麼看只能由他們自己決定，但電影不同於其他藝術媒介，它是由大量畫面銜接而成。若電影聚焦在單一事件或主題，而且又要激發觀眾的情緒，在接收大量"狹隘又單方面"的資訊後，觀眾只會形成一個完整且無法抹滅的觀感，那所謂"自由解讀"的空間其實所剩無幾。
有時導演為了讓觀眾更了解他想傳達的訊息，不只削減自由解讀的空間，連觀眾自主體驗的權限都被拿掉。若要避免這類錯誤，擺好位置後，就要進一步思考其他面向的設計。
b.長度+構圖
要激發觀眾的情緒，就一定要花時間讓他們沉浸在那情境中，即使是最早洩的男人，也一定會花幾秒的時間去"深入"那氛圍才能高潮。所以每個畫面的每元素才那麼重要，除了準確引導觀眾的視覺焦點，更要在一定的時間內引領觀眾的思緒和情緒，直到情節高潮處，觀眾才能如編導預期有所感動。Cinefix這支essay提到的三部片分別用母題、長度和焦點達到各自的效果。
＜刺激1995＞(完整片段)Brooks出獄後決定自殺，這段戲帶出更生人被監獄體制化後的困境，若要讓觀眾產生共鳴，就得讓他們一起去體會Brooks的孤單和無能為力。此片除了用旁白和遠景等常見的手法，也藉由"視線"來凸顯Brooks面臨的情境。
片中其他人不要說互動，連眼睛都沒有和Brooks對上，即使有，不是冷漠(女房東)就是帶有斥責(店長)的互動。相較在獄中和別人有說有笑，他在外面廣大又快節奏的世界中，更加深他的孤寂。藉由同母題"視線"不斷加強Brooks的處境，我們能清楚體會他感受到的孤單，因此當他在最後撇下鏡中的自己，背對鏡頭自殺(撇下我們觀眾)，我們也會感到無奈甚至流淚。
＜自由之心＞(完整片段)主角被懸吊在半空中的同時，週遭的黑奴視若無睹，帶出當時對黑奴的不人道壓迫。在主角剛被吊起來時，其他黑奴躲起來避免惹事，此時用一鏡到底的遠景拍主角一人，這顆長鏡頭先讓觀眾體會到主角的掙扎和孤單。過了將近一分鐘，他們才走出來做自己的事，凸顯黑奴的恐懼和屈從。後面的鏡頭雖然不長，但也透過一定的時間和構圖，帶出此長達一天的刑罰。在不煽情的前提下，導演精準呈現當時日常到毛骨悚然的黑奴世界。
＜人類之子＞(完整片段)的背景設在多年沒有任何新生兒的新世界，最後嬰兒在戰亂中出生，也讓兩方人馬停火。此宗教意味明顯的場景很容易變得煽情，大家同時跪下讚嘆，加上煽情的配樂，就會顯得太假了。因此導演把鏡頭放在主角背後或觀點鏡頭，讓觀眾能就近看對方情緒的轉變，出了大樓後的手持跟拍，也透過精準的構圖和走位，讓被拍到的臨演(也代表此時能看到主角的人物)一一反應，這樣的拍法在維持寫實調性的同時，仍不減其催淚的力量。
c.對比
有時候要震撼觀眾，不需要在單一場戲或單一鏡頭中塞滿各種元素，只要讓全片的鏡頭有一定的關聯性，觀眾就能理解這些跟故事的關係。此essay後面兩個案例都用特定的構圖或運鏡方式和觀眾建立共同默契，之後在重要的情節加上類似的畫面，觀眾自然就能理解並立即投入。
第一個案例＜Like Crazy＞除了用類似的構圖和不同的打燈凸顯主角的等待和焦慮，兩鏡頭中間也插入黑幕，這黑幕不是為了［讓觀眾喘口氣］那種完全沒道裡的用意，而是為了延常這兩顆鏡頭之間的故事時間，給觀眾一種時間過得很常的感覺，同時也能引導觀眾去思考這段期間發生什麼事，這些作用合併在一起，就能發揮兩倍以上的效果。
人物觀點
電影的敘事一般都是跟著特定的主角推動，所以說到敘事第一個會想到的觀點就是［根據誰的觀點來看此故事］，其基本觀念在此短片解釋得挺清楚，我就另外延伸出其他潛在問題。
密碼：1002
跟著主角進入故事一般就代表觀眾站在主角這邊，會和他的情感一起共鳴，並主動為他擔憂、同情或開心，但有時候我們不會有共鳴，甚至覺得主角很蠢。因為要做到這點還是要先從劇本著手。
先前評論＜科洛佛10號地窖＞時有提到，編導說此片說故事的方法跟打電動一樣，觀眾得知的資訊量頂多只能和女主角平起平坐。我們打電玩時會變成主角，去回想目前已知的所有資訊，去思考有什麼辦法可以繼續破關。因此在電影敘事上，除了主角已知資訊多過觀眾，也要確保主角的行為符合觀眾的思維，即使有意外，也要儘速讓觀眾知道這仍屬"情理之內"。
＜科洛佛10號地窖＞脫逃戲就有遵守編導定下的原則，裡面脫逃的道具(拐杖尖端、火柴等)沒有事先拍特寫，讓觀眾比主角早一步想到脫離辦法，頂多是出現在其他互動的畫面中。因此當主角開始利用這些道具時，不會覺得主角怎麼這時候才想到，或是編劇為了解套隨便亂加道具。
看戲觀點
看戲觀點最常見的區別是感同深受和旁觀，以一場爭吵為例，前者會引導觀眾為人物的掙扎感到共鳴，後者則可能讓觀眾笑這兩人物的愚蠢。這兩類型我之後會分別挑一部片來另寫分析，今天先挑另一類作解析。
密碼：1002
很多藝術片不希望觀眾把情感投放在片中的人物身上，而是這情節背後的用意。但這不代表演員不能演得外放吸引人，攝影機不能就近拍演員的情緒，因為有時要瞭解故事的隱喻，還是要先深入人物的思維和感受。
Stanley Kubirck拍＜發條橘子＞時當然不會要我們支持邪惡的主角Alex，但為了讓我們理解此故事的寓意（世界無法治癒，是因為不同的邪惡在幫助彼此增長），編導必須先建立Alex熱愛的事物，這樣當政府和反動團體以不人道的方式催毀Alex和他熱愛的事物，我們才能感受那一山還有一山高的邪惡。
Alex聆聽他最喜歡的貝多芬9號交響曲時，配合音樂的節奏，加入兩段蒙太奇，觀眾不會因為這兩段蒙太奇就立刻跟主角有一樣變態的興奮感，但這兩段蒙太奇除了呼應主角的旁白，本身也有一定的美感，因此導演透過標準的"show don't tell"原則，讓觀眾能體會主角對此音樂的熱愛。也為後面的荒謬、悲情和恐怖建立情感基礎。
